ТЕХНОЛОГИИ И КОМПЛЕКТАЦИЯ

Водонепроницаемость: 3 ATM

Фирменная упаковка

Ремешок из натуральной кожи

Черное покрытие по технологии IP PLATING

ИСТОРИЯ ВДОХНОВЛЯЕТ

Иван Сусанин. Глинка

Имя Ивана Сусанина стало нарицательным для каждого жителя России исключительно благодаря опере Михаила Ивановича Глинки «Жизнь за Царя». Подвиг костромского крестьянина, который во время смутного времени завел отряд поляков в болота, чтобы они не смогли дойти до боярина Михаила Романова, воспел величайший композитор.

Если русская наука началась с Михаила Ломоносова, поэзия — с Александра Пушкина, то русская музыка — с Михаила Глинки. Именно его творчество стало отправной точкой и примером для всех последующих русских композиторов.

Мало кто знает, что изначально опера «Иван Сусанин» была написана итальянским композитором Катерино Кавосом и была…комедией, в которой Иван Сусанин оставался жив. Глинка, безусловно, зная об этой опере, хотел написать настоящую патриотическую ораторию, использовав тот же исторический материал. Сюжет для новой оперы предложил Василий Жуковский, знаменитый русский поэт. И Глинка принялся за работу.

В 1836 году опера была принята к постановке в Петербургском Большом театре. Известно, что сам Глинка хотел назвать ее «Смерть за царя», но после многочисленных совещаний, было принято решение, что за «царей» нужно жить, а не умирать. И название «Жизнь за царя» закрепилось за оперой. Примечательно, что Катерино Кавос стал дирижёром оперы, причем, что сам он написал первоначальный комический вариант. Его впечатлила музыка Глинки, которого он не считал своим соперником, хотя обе оперы одновременно шли в театре.

Интересно, что роль Сусанина стала поворотной точкой в карьера Федора Шаляпина. Он исполнил арию Сусанина на прослушивании в Мариинский театр и уже на следующий день был принят в труппу. Ему было всего 22 года. Так Глинка сквозь целое столетие открыл одного из самых удивительных оперных певцов своей эпохи.

ИСТОРИЯ ВДОХНОВЛЯЕТ

Руслан и Людмила. Глинка

Стихи Александра Сергеевича Пушкина, музыка Михаила Ивановича Глинки. Квинтэссенция двух гениев дала потрясающий результат — революционную для своего времени оперу, которая по сей день идет во всех театрах мира. Поэма «Руслан и Людмила» — волшебная сказка, на которую Пушкина вдохновил русский народный фольклор, русские былины и лубочные повести. Это идеальный материал для красивой, яркой постановки. При этом Глинка написал музыку не к сказочной истории любви, он подошел к материалу очень необычным образом.

Опера «Руслан и Людмила» ломает все традиционные представления о вокальных голосах. Партия Руслана, юного витязя написана не для тенора — как требовала итальянская традиция, а для баса. А партии волшебника и сказителя, напротив, созданы для тенора. Примечательно, что роль князя Ратмира написана для женского голоса, и поет ее — контральто. Все эти смешения голосов дают совершенно уникальный драматургический эффект, производящий неизгладимое впечатление на зрителя.

На премьере в 1842 году опера была принята неоднозначно. И в основном благодаря тому, что Николай I демонстративно ушел с премьеры. Что-то явно оскорбило Императора в сюжете и постановке. Что же? Вероятной гипотезой этого события стало то, что опера, рассказывая о сказочном времени Киевской Руси, на самом деле являлась пародией на современность. Пушкин в образе Черномора показал жесткую сатиру на русского императора. Императоры эти по традиции отличались неослабевающим желанием похищать чужих жен. Институт фаворитизма неразрывно связан в России с царским дворцом и восходит, вероятно, к великокняжеским гаремам предыдущей эпохи. Известно, что в такой завуалированной форме Пушкин показал попытки императора соблазнить его жену, Наталью Николаевну. И услышав оперу, император был недоволен, что его личную жизнь высмеяли таким образом.

Но впоследствии искусство победило сиюминутность интриг того времени, и теперь она является жемчужиной мирового искусства.

ИСТОРИЯ ВДОХНОВЛЯЕТ

Очи черные

«Очи черные», возможно, самый известный русский романс. В кино, театральных постановках и компьютерных играх, в иностранных переводах, в исполнении известных музыкантов — в любом представлении он просто завораживает.

«Как люблю я вас, как боюсь я вас, знать увидел вас я не в добрый час» - эти строки стали гимном роковой любви, и не побоимся этого слова — русской любви, чуть с налетом трагизма и непонятности. Как слоган к «Сибирскому Цирюльнику» Никиты Михалкова — «он русский, и это многое объясняет» — так и этот романс мог бы объяснить загадочную для всех русскую душу.

При этом музыку к стихам поэта Евгения Гребёнки в 1843 году написал немецкий композитор Флориан Герман. А известным романс сделал Федор Шаляпин, существенно расширив текст, и создав свою, авторскую версию.

Об этой песне не хочется писать много слов. Лучше включите прямо сейчас этот прекрасный романс. Можете выбрать любого исполнителя, начиная от Изабеллы Юрьевой и заканчивая Высоцким. Даже Луи Армстронг спел ее, причем на русском. Знаменитый гитарист Лес Пол, на гитарах которого играет половина музыкантов мира, записал инструментальную версию песни, а Лолита Торрес соединила ее со знаменитым танго «La Cumparsita», добавив еще больше пафоса и трагизма в этот надрывный мотив.

Патрисия Каас, Мирей Матьё или Хулио Иглесиас — романс в любом исполнении, и в мужском, и в женском, не оставит вас равнодушным.

ИСТОРИЯ ВДОХНОВЛЯЕТ

Борис Годунов. Мусоргский

Громкой славы при жизни он не добился. Его музыку критиковали даже близкие друзья. Современникам Модеста Петровича Мусоргского не пришлась по вкусу даже опера «Борис Годунов», впоследствии триумфально прошедшаяся по консерваториям России и Европы.

Одна из самых знаменитых трагедий А. С. Пушкина стала вдохновением для создания оперы, но для написания либретто композитор также использовал материалы «Истории государства Российского» Н. М. Карамзина. Темой музыкального творения стал период отечественной истории, известный нам как Смутное время.

В выбранном историческом эпизоде композитора привлекала возможность отразить отношения царя и народа, представить народ и царя в качестве главных действующих лиц. Мусоргский писал: «Я разумею народ как великую личность, одушевлённую единой идеей. Это моя задача. Я попытался решить её в опере».

Опера была завершена в конце 1869 года и представлена в Дирекцию императорских театров. Театральный комитет не принял её к постановке, объяснив решение отсутствием выигрышной женской роли. После отказа Мусоргский внёс ряд изменений, в частности, ввёл «польский» акт с любовной линией Лжедмитрий — Марина Мнишек, а также добавил эффектный финал — монументальную сцену народного восстания. Однако и вторая редакция также была отвергнута. Оперу удалось поставить лишь два года спустя, благодаря энергичной поддержке в театральных и музыкальных кругах.

Премьера состоялась 27 января (8 февраля) 1874 года на сцене Мариинского театра. Несмотря на восторженный приём публики, критика встретила оперу резко отрицательно, и она была снята с репертуара.

В 1896 году Н. А. Римский-Корсаков предпринял попытку возродить оперу, создав собственную редакцию. Чаще всего именно ее исполняют сейчас в большинстве театров мира.

ИСТОРИЯ ВДОХНОВЛЯЕТ

Князь Игорь. Бородин (1887)

Опера, которая писалась восемнадцать лет, но так и не была завершена. Опера, которая много лет с успехом идет на сценах мировых театров. «Князь Игорь» по праву считается одной из главных русских опер. Без него уже сложно представить историю отечественной и мировой музыки XIX века.

Обратиться к сюжету «Слова о полку Игореве», памятнику древнерусской литературы, рассказывающему о неудачном походе князя Игоря против половцев, Александру Порфирьевичу Бородину посоветовал музыкальный критик Владимир Стасов, идея пришлась композитору по душе, и в 1869 г. Он принялся за работу с огромным рвением, но завершить оперу композитор так и не успел. После его смерти работу над «Князем Игорем» довели до конца Николай Андреевич Римский-Корсаков и Александр Константинович Глазунов. Премьера оперы состоялась. В Мариинском театре и прошла с огромным успехом.

Отдельные композиции из этой оперы живут не только в стенах театров. Так, на открытии Олимпийских игр 2014 года в Сочи исполнялся хоровой номер невольниц «Улетай на крыльях ветра», а Рэпер Ворен Джи из Америки и оперная дива Сиссель из Норвегии записали в 1997 г. Совместный проект Prince Igor. Хит-парады радиостанций довольно часто объявляли эту песню в победителях. Вариация хорового номера девушек в неволе была исполнена, как припев.

В фильме «Пятый элемент» сцена с выступлением Дивы Плавалагуны состоит из нескольких музыкальных оперных партий, одна из которых является обработкой половецких плясок. Даже известный американский мультсериал «Симпсоны» использовал инструментальный фрагмент «На крыльях ветра». Так что эта опера вошла в массовое сознание, покинув контекст только классической музыки, и став всемирным хитом.

ИСТОРИЯ ВДОХНОВЛЯЕТ

Лебединое озеро. Чайковский

«Лебединое озеро» давно вошло в круг самых любимых балетов во всем мире. Но история шедевра, ознаменовавшего собой начало новой эпохи в балетном жанре, складывалась не так блистательно. Скорее, драматически.

Принимаясь за «Лебединое озеро», Пётр Ильич Чайковский не рассчитывал совершить открытие в жанре. Тем не менее, им было создано реформаторское произведение: «первый психологический балет», «балет-драма». Большой театр, которому предстояло первым поставить новый балет, на тот момент обладал весьма скромными творческими ресурсами, а его танцовщики и вовсе считались «периферийной труппой», и первая постановка балета прошла неудачно, да и самому композитору, который был искушенным балетоманом, она не понравилась. Известно, что он назвал действо «чистой дрянью» и сурово судил и свою собственную музыку, и постановку.

Уже после смерти Чайковского, балет обрёл свое лицо, знакомое всем ценителям балета. Благодаря работе двух балетмейстеров — Мариуса Петипа и Льва Иванова — «Лебединое озеро» утвердилось на сцене, обрело долгую и успешную репертуарную жизнь в театрах по всему миру. Критика писала, что вмешательство в партитуру балета и полную переоркестровку, балет засиял новыми гранями.

Современное «Лебединое озеро» — материал для эксперимента. В 1995 году вышла одиозная постановка британского хореографа Мэтью Борна, в которой все партии исполняли мужчины. А хореограф Владимир Бурмейстер изменил финальную сцену: его балет заканчивался уничтожением злых сил и победой добра и любви. Девушка-лебедь в человеческом облике обретала счастье с прекрасным принцем.

ИСТОРИЯ ВДОХНОВЛЯЕТ

Евгений Онегин. Чайковский

Триумфальный успех пришёл к опере не сразу. Пресса на спектакль была разная. Преимущественно опера не была оценена по достоинству. Некоторые коллеги, выступившие с критикой произведений Петра Ильича Чайковского, заявляли, что музыка однообразна и скучна, и даже, что у композитора «отсутствовал музыкальный слух». Публика же была очарована этой интерпретацией пушкинского «романа в стихах» с её выразительнейшей музыкой. Опера оказалась новым словом для жанра и утвердила в правах целую жанровую ветвь лирической оперы.

С самого начала работы над музыкой композитор осознавал ряд трудностей, связанных с приспособлением пушкинского сюжета к оперному жанру. Прежде всего это касалось «несценичности» сюжета, отсутствия типовых для оперы конфликтов и сюжетных поворотов, а также необычным для оперы «современным» сюжетом. Однако это не останавливало Чайковского, поскольку искренность, живость и поэтичность пушкинских образов ему казалась важнее всех оперных условностей. В ответ на предполагаемую критику он писал: «Пусть опера моя будет несценична, пусть в ней мало действия! Но я влюблен в образ Татьяны, я очарован стихами Пушкина и пишу на них музыку, потому что меня на это непреодолимо тянет».

Важнейшее отличие оперы от произведения Пушкина заключается в том, что ссору Ленского и Онегина и вызов на дуэль Чайковский помещает непосредственно в сцену праздничного бала у Лариных, что делает эпизод драматичнее и живее; у Пушкина же дуэль готовится в полной тайне: «одна бы няня знать могла, // да недогадлива была».

Опера «Евгений Онегин» стала первым оперным спектаклем, подготовленным театральной студией под руководством Константина Сергеевича Станиславского. Этот спектакль ознаменовал новый этап в развитии отечественного оперно-сценического искусства и стал символом Музыкального театра имени К. С. Станиславского и В. И. Немировича-Данченко.

ИСТОРИЯ ВДОХНОВЛЯЕТ

Щелкунчик. Чайковский

18 декабря 1892 года в Мариинском театре состоялась премьера «Щелкунчика». Известно, что музыку к балету Пётр Ильич Чайковский сочинял в настоящих творческих муках. С самого начала сюжет не вызывал у композитора особого восторга: он только закончил «Пиковую даму», в проекте находилась опера «Иоланта», ему было не до сказок. К тому же в процессе работы над балетом умерла его любимая сестра Александра. Существует мнение, что трагическая музыка во втором акте балета — это не что иное, как воспоминания Петра Ильича о родном человеке, которые он перенес в ноты.

В основу либретто легло переложение сказки, сделанное в 1844 году Александром Дюма-отцом и опубликованное в том же году под названием «История Щелкунчика». В связи с частичным изменением сюжета сказки Гофмана сюжетная версия либретто предстаёт в более сглаженном, сказочно-символическом виде.

В разных редакциях есть разночтения в имени главной героини: Клара и Мари. В оригинальной книге Гофмана главную героиню зовут Мари, а Клара — это её любимая кукла. В России с началом Первой мировой войны и ростом патриотических настроений сюжет балета русифицировался, и главная героиня стала зваться Машей. При этом Фриц остался не переименованным, поскольку он — отрицательный персонаж. Примечательно, что эта традиция действует до сих пор.

По всему миру идет одновременно около 150 вариантов «Щелкунчика». Одни хореографы пытаются возродить первоначальную версию балета благодаря архивам, другие создают свои интерпретации. Увидеть «Щелкунчик» 31 декабря мечтают многие. И хотелось бы, чтобы эта мечта сбывалась у каждого, поскольку этот балет – лучший подарок на Новый год.

ИСТОРИЯ ВДОХНОВЛЯЕТ

Алеко. Рахманинов

Чуть более 20 дней работы над оперой, 19 лет ее автору… Кто бы мог подумать, что дипломная работа юного выпускника консерватории будет исполняться на протяжении как минимум нескольких столетий? Но юношу звали Сергеем Васильевичем Рахманиновым, либреттистом дебютанта выступил В.И. Немирович-Данченко, а в основе сюжета лежали вечные пушкинские строки. Благодаря этим именам «Алеко» уже с премьеры вошел в историю мировой оперы на равных с творениями признанных мастеров.

Алеко пришел в цыганский табор за Земфирой, которую любил. До недавнего времени это чувство было взаимным, но она увлеклась Молодым цыганом. В один из вечеров Старик рассказывает Алеко о том, что его с маленькой дочерью на руках бросила жена, убежав с любовником. Алеко удивлен, что Старик не отомстил за измену. Ночью Земфира уходит на встречу с Молодым цыганом. Утром вернувшуюся пару встречает Алеко, он пытается воззвать к чувствам возлюбленной, но в ней они давно остыли. В порыве ярости ревнивец убивает их обоих. Цыгане изгоняют его из табора. Напоминает рассказы Максима Горького, по которым впоследствии был снят знаменитый советский фильм «Табор уходит в небо». Сюжет вечный: страстная любовь может довести героя до самого края.

Сергей Васильевич Рахманинов признавался, что именно успех первой оперы побудил его к продолжению композиторской деятельности. Партия из этой оперы стала одной из лучших и самых знаменитых в репертуаре Федора Шаляпина, а сама опера является одной из самых популярных русских опер в мире, и исполняется более 80 раз в год по всему миру.

ИСТОРИЯ ВДОХНОВЛЯЕТ

Царь Салтан (1902). Римский-Корсаков

«Сказку о царе Салтане» мы помним с детства, она давно разобрана на цитаты и призсказки. Александр Сергеевич Пушкин позаимствовал сюжет у русской народной сказки «По колена ноги в золоте, по локоть руки в серебре», которую не раз слышал в разных вариантах и законспектировал. Царевну-лебедь, 33 богатыря, батьку Черномора — всех этих героев он также взял из старинных сказок и эпосов. И все они ожили в его чудесном мире, теперь знакомым каждому малышу. И такая богатая образами красивая музыкальная сказка, конечно, не могла рано или поздно не стать оперой. Это просто было предрешено самой судьбой!

Любимой темой композитора Николая Андреевича Римского-Корсакова были сказки. Он написал множество опер, в том числе «Снегурочку», «Садко», «Золотой петушок» и «Кащей Бессмертный». К столетию со дня рождения великого русского поэта Н.А. Римский-Корсаков написал оперу «Сказка о царе Салтане» в 4 действиях с прологом. И она стала – самой знаменитой, в том числе благодаря тому. Что уникальные декорации и костюмы к опере создавал гениальный художник Михаил Врубель. Премьера состоялась 21 октября 1900 года на сцене Московской частной оперы.

Способности к музыке проявились у Римского-Корсакова очень рано — уже в возрасте трёх лет он попадал в ноты, играя на различных инструментах, но классическое музыкальное образование он так и не получил. И тем не менее, консерватория Санкт-Петербурга пригласила его на должность преподавателя музыки.

Музыку Римский-Корсаков соотносил с цветами. К примеру, ми-мажор, в котором написаны всего его «морские» произведения, он «видел» синим. Лишь позже, благодаря художнику Василию Кандинскому такое восприятие назовут синтезией, и появится множество людей, обладающих этим даром, видеть цвет звука и чувствовать запах цвета.

ИСТОРИЯ ВДОХНОВЛЯЕТ

Ромео и Джульетта. Прокофьев

История Ромео и Джульетты известна во всём мире. По ней ставят мюзиклы и спектакли, снимают фильмы и сочиняют балеты и оперы. История трагичной любви двух молодых людей из враждующих семейств никого не может оставить равнодушным. Кстати, идея «Ромео и Джульетты» не принадлежит самому Шекспиру. Он взял за основу широко известную историю за авторством Луиджи да Порто, который, в свою очередь, позаимствовал её у античных авторов. Потому эту историю можно назвать архитипичной и вечной. Возможно, именно это определяет ее успех в веках.

«Ромео и Джульетта» Прокофьева — один из самых популярных балетов двадцатого столетия. Ещё до премьеры, в 1936 году, на основе музыки балета Прокофьев написал две оркестровые сюиты, к которым в 1946 году добавил третью. Так появился великий балет, который исполняли самые блистательные танцовщики со всего мира.

В 9 лет Сергей Прокофьев впервые попал на оперу. Это так его впечатлило, что он задумал сочинить нечто подобное самостоятельно. Вскоре он сочинил свою первую оперу, получившую название «Великан», а поступая в Санкт-Петербургскую консерваторию, принёс экзаменаторам две папки с собственными произведениями, в число которых к тому моменту входило уже 4 оперы.

В создании хореографического образа спектакля авторы шли от идеи противопоставления мира средневековья миру Возрождения, столкновения двух систем мышления, культуры, миропонимания. Это и определило архитектонику и композицию спектакля. Танцы Меркуцио в спектакле построены на элементах народного танца — это так соответствовало его натуре жизнелюбца, весельчака и завсегдатая народных празднеств. А для танца на балу у Капулетти танец создавался в духе английского классицизма XVI века, так называемого «Танца с подушечкой».

За свою жизнь Сергей Прокофьев написал 9 сонат, 9 концертов для оркестра, 7 симфоний, 8 опер, 8 балетов и ряд других произведений, но именно «Ромео и Джульетта» остается самым любимым балетом у зрителей всего мира.

ИСТОРИЯ ВДОХНОВЛЯЕТ

Блокадная симфония. Шостакович

9 августа Ленинградская симфония Дмитрия Шостаковича в блокадном Ленинграде. На концерте в филармонии Симфонию № 7 исполнял Большой симфонический Оркестр Ленинградского радиокомитета под управлением дирижера Карла Элиасберга. Некоторые из оркестрантов умерли от голода, и их заменили музыканты, отозванные с фронта.

Первые части Симфонии Дмитрий Дмитриевич Шостакович написал еще до Великой Отечественной войны, но закончил ее именно во времена блокады его родного города. Для него было максимально важно поддержать боевой дух жителей именно тем, чем он мог — музыкой.

Исполнению придавалось исключительное значение: в день премьеры все артиллерийские силы Ленинграда были брошены на подавление огневых точек противника. Несмотря на бомбы и авиаудары, в филармонии были зажжены все люстры. Зал был полон. Новое произведение Шостаковича потрясло слушателей. Многие плакали. Во время исполнения симфония транслировалась по радио, а также по громкоговорителям городской сети. Ее слышали не только жители города, но и осаждавшие Ленинград немецкие войска.

Концерт в блокадном Ленинграде стал символом сопротивления города. Вот что писала поэтесса Ольга Берггольц об этом концерте: «Мы давно не плачем, потому что горе наше больше слез. Но, убив облегчающие душу слезы, горе не убило в нас жизни. И Седьмая симфония рассказывает об этом. Мы победим немцев. Товарищи, мы обязательно победим их! Об этом торжестве свидетельствует «Ленинградская» симфония, произведение мирового звучания, созданное в нашем осажденном, голодающем, лишенном света и тепла городе, — в городе, сражающемся за счастье и свободу всего человечества».

Начиная с исполнения в блокадном Ленинграде, симфония приобрела звучание сопротивления, борьбы за свободу. Именно поэтому 21 августа 2008 года фрагмент первой части симфонии был исполнен на ступенях здания парламента в разрушенном грузинскими войсками южноосетинском городе Цхинвале. Валерий Гергиев, который в тот день дирижировал оркестром Мариинского театра, так прокомментировал это событие: «Именно музыка имеет безграничные возможности выразить то, что человек не может выразить словами».

Дополнительный белый силиконовый ремешок ко всем часам в подарок

Ремешки меняются также быстро как на смарт-часах

Остались вопросы или нужна помощь в выборе?